Giuseppe Ussani d’Escobar

“We are such stuff as Dreams are made on” (from The Tempest, William Shakespeare)

IL RICHIAMO DELLA PITTURA

Intervento di Jonathan Hynd ad un seminario presso la John Cabot University (Roma 23-03-2017)

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Dipingo, perché per una ragione o un’altra mi sento realizzato nel farlo. Ho studiato Architettura prima e Belle Arti dopo a Londra e sono arrivato a Roma trent'anni fa. La maggior parte del tempo che trascorro nel mio studio lo occupo nello sperimentare i materiali. Quando lavoro sono totalmente assorbito da quello che faccio, e non mi fermo per vedere cosa sto facendo. Continuo a lavorare per un periodo di tempo, finché alzo lo sguardo per vedere il lavoro realizzato ed è come se mi risvegliassi. In questo modo costruisco strati di eventi, se non vere e proprie avventure. Questa è la base dei miei quadri e della mia esperienza. Il Goldsmiths College era in quel periodo fortemente orientato verso l'arte concettuale, ma questo non era il modo in cui mi piaceva affrontare le cose. Il vocabolario così viene definita l'arte concettuale: un'arte in cui l'idea presentata dall'artista è considerata più importante del prodotto finito. No, non mi piace questo modo di fare arte.
E' basato troppo sul concetto e non sulla realizzazione del lavoro, di conseguenza realizzare un’opera diventa molto meno interessante. Probabilmente se non si hanno le competenze necessarie per fare il lavoro, alla fine si chiede a un tecnico di farlo al posto nostro. Questo porta con se’ un intero dibattito su quello che è un artista, su come oggi viene praticata l'arte, e come tutti e tutte le cose vengono utilizzati per questo fine. Ma questa sera non parlerò di questo. Diciamo che preferisco fare tutto io stesso. Il risultato finale è importante, ma la vera questione è la partecipazione. Basti pensare a tutte le sorprese che si perderebbero mentre si lavora il pezzo. Chissà, il lavoro avrebbe potuto anche cambiare direzione. Queste sorprese possono assumere la forma di "sviste" di un tipo o di un altro, di "errori", di "interruzioni", di "reazioni chimiche", di "intervalli" e di qualsiasi altro "avvenimento non pianificato né previsto" che è avvenuto inconsciamente ma che mi ha coinvolto fino alla "liberazione" finale quando il dipinto inizia a parlare da solo e mi dice come proseguire. Per me, la spontaneità è fondamentale. È reale. È del momento. È vissuta. Mi permette di essere libero in uno spazio dove i pensieri e le emozioni scorrono liberamente Uno spazio dove tutto è possibile, aperto alla sperimentazione. Ma affinché arrivi l'ispirazione occorre essere preparati ed è per questo che vado allo studio ogni giorno. Abbiamo anche bisogno di una certa fede in noi stessi, e questa viene dalla nostra esperienza. Questo è avvenuto dopo che ho finito gli studi. Ho viaggiato molto. Ho attraversato molte frontiere, ed ho visto tanta vita diversa. Alla fine ho deciso che avevo bisogno di una disciplina, e per questo ho scelto l'architettura. Ma la pittura alla fine ha scelto me. Diciamo che sono “caduto” tra le sue braccia. “Cadere” è un concetto importante e positivo nella civiltà occidentale. Quindi, piuttosto come Adamo ed Eva che cadono dalla grazia, innamorandomene sono caduto nella pittura. Dopo gli studi d’architettura presso l’Architectural Association di Londra, mi sono iscritto alla St. Martins School of Art per un anno prima di decidere che dovevo stare da solo nel mio studio. Ho lavorato lì per molti anni. Per i primi due anni ho fatto solo disegni, in bianco e nero su carta. Solo quello. Ho accompagnato questo periodo con strilli e grida, sussurri e risate. Ho cantato, ho pianto. Ho fatto battute. Ho messo tutto giù. Ad un certo punto mi sono reso conto che avevo bisogno di altre persone e nell'autunno del 1980 mi sono iscritto al Goldsmiths College per poi prendere il mio Master in Fine Art. (Goldsmiths fa parte dell'Università di Londra).
Il college non mi ha offerto un posto dove lavorare, ma un metodo: un giorno a mostrare il lavoro fatto ad uno dei dodici artisti maturi del corso, e un giorno a discutere la filosofia del diciannovesimo e del ventesimo secolo in un’aula all'università. Potevamo utilizzare tutti i servizi dell'edificio. E per commenti sul mio lavoro, potevo scegliere chiunque volevo dentro e fuori Londra. Ricordo di aver scelto Baselitz, era il mio eroe in quel periodo, ma in quel momento era in Germania e non è venuto! Quando ho finito a Goldsmiths, sono venuto in Italia, sulle orme di Tiziano e Tintoretto. Quindi, non ho una formazione vera e propria nel dipingere. La pittura si è impossessata di me indicandomi la direzione in cui dovevo andare, la sua disciplina mi ha obbligato ad agire in un certo modo. A questo proposito - avevo o ho una scelta? In realtà sento che non posso fare nient'altro. Nella pittura non puoi bleffare. Affinché il lavoro abbia valore, deve esserci onestà intellettuale. Un errore può sempre essere coperto, ma è sempre lì anche quando è cancellato. Fa parte del processo, e in una data successiva può rivivere e giocare una parte importante. Non puoi far finta che qualcosa non sia accaduta. Non è come se stai cercando di ritrarre qualcosa, la linea della bocca di una modella per esempio, e disegnarla correttamente. Non ci sono modelle, non c'è una bocca da ritrarre. Sono un pittore astratto. Nulla deve essere corretto, ma solo giusto. E comunque, nella mia linea di lavoro, nel momento in cui il segno somiglia a qualcosa, non mi serve a nulla. Se bleffo, sto solo perdendo il mio tempo. Rendendomi la vita difficile. Perfino negando me stesso. Quindi, se qualcuno dovesse chiedere quale motivazione mi ha spinto a volere dipingere, pensandoci potrei dire che dipingo per la mia conservazione, per rimanere integro. È questo quando si parla di destino? Destino è una parola grossa. Ricorro al vocabolario che lo definisce come "il potere nascosto che si crede controlli ciò che accadrà in futuro". Ho trascorso i primi trent'anni della mia vita in giro per il mondo, i miei secondi trent'anni in uno studio mettendo le cose che avevo imparato su tela. Da tutto questo, ho capito che il viaggio dentro se stessi sembra essere l'area più appagante da esplorare. Quando si pensi a ciò che siamo in grado di sognare e quanto poco siamo in grado di fare nella nostra vita reale ci accorgiamo che c'è un’incredibile discrepanza. L'ambiguità di un pezzo è importante per me. Mi piace esplorare. Mi piace attraversare confini, per vedere le cose da un altro lato, da altri angoli. La mia intenzione non è sfocare o mistificare, ma voglio avere di fronte a me qualcosa che trascenda quello che sembra. Voglio sperimentare la pittura non solo con gli occhi ma con tutti i sensi. Per me "i miei pezzi" hanno a che fare con l'immaginazione, non con la fantasia, consentendo agli spettatori la propria libertà d’interpretazione. Non amo gli artisti che cercano la perfezione. Tutto diventa troppo cinico e perde la sua asprezza. Diventa idealizzato e ha poca emozione. Dobbiamo ringraziare artisti come Masaccio e Giotto per averci riportati sulla buona strada, artisti che si occupano dell'ordinario, ma in una nuova luce, e che cercano di raggiungere e toccare ciò che è al di là della loro presa. "Se devi fare qualcosa, fallo al meglio delle tue capacità, altrimenti lascia perdere”.